Félix Candela



Félix Candela sacudió el ámbito de la arquitectura con una tecnología constructiva de origen europeo que alcanzó en suelo mexicano un desarrollo inusitado. No fue el primero ni el único que hizo este tipo de estructuras, pero abrió nuevos caminos en la especialidad al emplear profusamente y con gran virtuosismo el paraboloide hiperbólico, aprovechando al máximo las ventajas estructurales y expresivas de esta forma geométrica para crear una obra que dejó huella en la arquitectura mexicana del siglo XX.

Félix Candela Outeriño nació en Madrid el 27 de enero de 1910 y se tituló en la Escuela de Arquitectura de esa ciudad en 1935. Llegó exiliado a México en 1939, tras participar con el ejército republicano en la Guerra Civil Española; al poco tiempo adquirió la nacionalidad mexicana. Diez años después de su llegada fundó la empresa Cubiertas Ala, desde la que construyó las estructuras laminares de concreto armado –mejor conocidas como cascarones- que le dieron fama mundial en los años cincuenta y sesenta. En 1971 decidió mudar su residencia a los Estados Unidos, donde falleció en 1997.

Esta exposición dedicada a este notable arquitecto determinante en el periodo moderno en México, es una primera revisión extensiva y conjunta de material original procedente de los archivos que resguardan tres prestigiosas universidades (Columbia, Princeton y la UNAM), y se enriquece con maquetas virtuales y estereolitográficas, publicaciones de la época, audiovisuales y fotografías que documentan en torno a su obra: procesos constructivos, percepciones de artistas fotógrafos, así como su estado actual. Esta muestra, organizada por Acción Cultural Española y el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, recupera la trayectoria vital y profesional de este genio del diseño estructural, con la finalidad de poner en valor su legado y generar mecanismos que permitan conservarlo y difundirlo adecuadamente.
Bibliofrafía: http://www.mam.org.mx

Elisha Graves Otis (elevador)

En 1853, Elisha Graves Otis participa de una exposición en el New York Crystal Palace mostrando un ascensor con "freno de emergencia" que evitaba la caída de la cabina aun luego de romperse los amarres que la mantenían en posición, marcando un hito en la historia del ascensor.





En 1857, el primer ascensor de pasajeros Otis entro en operación en un almacén de la ciudad de Nueva York y diez años mas tarde los hijos de Elisha fundan Otis Brothers and Company en Yonkers, Nueva York, para comenzar la producción en masa de ascensores. Varios otros modelos de ascensores aparecen en escena: a tornillo, hidráulicos, etc.

Bibliografía: http://www.afinidadelectrica.com

Archigram

(1961-1974) eran seis jóvenes de muy diferentes perfiles: Warren Chalk, Peter Cook, Dennis Crompton, David Greene, Ron Herron y Michael Webb. En 2002, se definieron como "una familia disfuncional de hombres".Peter Cook era el portavoz siempre optimista; Dennis Crompton se hizo cargo de que todas sus creaciones estuvieran disponibles para el futuro cuidando de los archivos y creando exposiciones; David Greene, poeta, crítico y pesimista; Mike Webb, el eremita, genio del diseño; Ron Herronera el positivo, manitas y Warren Chalk actuaba como el catalizador de las ideas del grupo.

El grupo arrancó en 1961 con un magazine precario y experimental llamado Archigram (Architecture + Telegram). Se entregaba en mano a los estudiantes de arquitectura por nueve peniques. En él daban rienda suelta a ideas, conceptos y proyectos utópicos. Su discurso se inspiraba en el pop, el hippismo, con las cúpulas geodésicas de Buckminster Fuller, las ferias ambulantes, los comics, el mecano, la carrera espacial o las películas de ciencia ficción. Los 9 números que publicaron mezclaban el comic y la arquitectura en un collage caótico y divertido que recuerdan las ilustraciones de los Beatles o de Monty Python. Archigram atacaba el conservadurismode los arquitectos británicos de la época complacientes con su trabajo tras la posguerra. Para el establishment de la época, eran una panda de onanistas que no podrían construir un edificio si les dejaran. Su estilo naïve fue interpretado como una broma que no debía durar. Se equivocaron.

Bibliografía:

http://www.grancomo.com

Movimiento Metabolista y Arquitectura.

 El Movimiento Metabolista, es el nombre de una corriente arquitectónica contemporánea, compuesta por un grupo de arquitectos de origen japonés, así como también por urbanistas que están unidos bajo el nombre de los Metabolistas.



Esta corriente se fundó en el año 1959. Su idea básica consistía en proyectar la ciudad del futuro, la misma estaría habitada por una sociedad masificada, cuya característica principal serían:


• Las grandes escalas.
• Estructuras flexibles y extensibles.

El enfoque de este movimiento se basa en que, los reglamentos tradicionales de forma y función arquitectónicos estaban arcaicos. Se basaba en una profunda atribución del espacio y la funcionalidad en la cultura y sociedad del futuro. Entre los proyectos más reconocidos de este movimiento, se pueden mencionar:


• La ciudad flotante en el mar, un proyecto elaborado por Unabara.
• La ciudad torre, creada por Kiyonori Kikutake.
• La ciudad muro.
• La ciudad agricultural.
• La Helix City de Kisho Kurokawa.

Entre los proyectos y metabolistas japoneses, se encuentran los siguientes:


• Mega planificación de la ciudad de Tokio, por Kenzo Tange y Kisho Kikutake.
• Vivir en una cápsula, elaborado por Akira Shibuya, Youji Watanabe y Kisho Kurokawa.

En el grupo de los proyectos elaborados por seguidores de este movimiento que son del occidente, se encuentran:


• Ciudad de lujo Akro Polis, por Justus Dahinden.
• Ciudad de lujo Kiryat Ono near Tel Aviv, de Justus Dahinden.
• Sobre edificación en la ciudad de Ragnitz, por Günther Domenig.
• Swimming Hotel Kairo, de Justus Dahinden.
• Habitat Montreal, de Moshe Safdie.
• Funnel city Intrapolis, por Walter Jonas.
• Ciudad Espacio, elaborada por Yona Friedman.
Bibliografía:
http://www.arqhys.com

Complejidad y Contradicción en la Arquitectura

Robert Venturi

Complejidad y Contradicción en la Arquitectura, fue el estudio de Robert Venturi publicadi en 1966 por el Museo de arte Moderno de Nueva York. Contribuyó a dar un paso hacia una nueva época, ya que influyó más que cualquier otro tratado de sobre la evolución de la arquitectura en el último tercio del siglo XX.

En el prólogo de Complejidad y contradicción en la arquitectura Venturi se realiza una crítica arquitectónica hacia la arquitectura del siglo XX y lo justifica a través de su propio trabajo: su premisa no es la objetividad, sino la libertad artística. En su escrito estudia lo que en ese momento le interesó en la arquitectura, la complejidad y la contradicción. Invirtiendo el dicho de Mies van der Rohe "menos es más", Venturi postula: "más es no menos". Este más de comunicación explícita, de simbolismo y decoración no se encontraba en la arquitectura de la Modernidad clásica, por ejemplo en Mies van der Rohe o en Adolf Loos. Según Venturi podía alcanzar y cultivar su pureza y hermetismo ignorando muchos aspectos y cerrándose a las necesidades de la sociedad.

El "menos", hace referencia a la renuncia a la ambigüedad en la arquitectura moderna, para Venturi, ese menos es sencillamente aburrido.

Referencia:

http://arquiteorias.blogspot.mx

Giovanni Battista Piranesi

Nació en Mogliano di Mestre el 4 de octubre de  1720. Inició su educación artística con su tío materno, el arquitecto Matteo Lucchesi, y con el arquitecto giovanni Antonio Scalfarotto. 

Desde muy joven  quiso ir a Roma, ciudad a la que visitó por primera vez en 1740 para formar parte del séquito de Marco Foscarini, en calidad de dibujante. Su obra se centra mucho en el ambiente romano. Tuvo la oportunidad de conocer la grandeza de la arquitectura clásica. 

Pronto comienza a sentir un gran interés por el grabado, que aprende en el taller del siciliano Giuseppe Vasi. Sus primeras obras fueron unas pequeñas vistas de Roma, publicadas en 1748 con el título Prima Parte di Architectture e Prospettive. Esta primera obra constituye la iniciación de Piranesi en la técnica del aguafuerte, en ella plasmó sus grandiosos sueños de arquitecto, profesión que apenas llegó a ejercer. 

La fama que Piranesi adquirió en Roma se debe principalmente a las Vedute di Roma, colección con la que el Papa obsequiaba a los extranjeros que visitaban la ciudad. Sus láminas influirían en la arquitectura palaciega, especialmente en las casas campestres inglesas. 

Falleció en Roma el 9 de Noviembre de 1778.

Bibliografía:

http://museobellasartesvalencia.gva.es

Robert Venturi  " complejidad y contradicción en la arquitectura"
Robert Venturi, define como ejes fundamentales de la arquitectura la complejidad y la contradicciones, cada uno de ellos responde a una situación especifica centrada en la arquitectura. Venturi cree en una arquitectura hibrida, confusa, irregular y equivocada, esa es la “verdad en su totalidad”. Para poder entender esta expresión filosófica debemos concentrarnos en las situaciones existenciales de la arquitectura en sus época. Entre las referencias que utiliza Venturi para justificar su teoría, cita a arquitectos modernos como Le Corbusier, Fran L. Wright, Luois I. Kahn, entre otros, como piezas de la arquitectura gótica, y clásica.

El equilibrio debe de crearse en lo opuesto justificado por el deseo de lo expuesto. Toda la arquitectura demuestra como la contradicción es la respuesta ante algunas problemáticas. Un ejemplo de la propuesta de Robert Venturi, como contradictoria es el estilo de vida, una persona que tiene una vida movida, estresante y compleja busca paz y sencillez al llegar a su casa. Esta situación creada por una época de problemáticas cada vez mas complicadas, crea lo que se entiende como el concepto de “menos es mas”. Este tema nos lleva a la relación de “ambigüedad” y como su fuente es la complejidad y la contradicción. Para la creación de un concepto “menos es mas” se debe tomar en cuenta que el lado sencillo de las situaciones proviene de un complejo análisis de las problemáticas.

Team X
En la década del 50 emerge un grupo de jóvenes arquitectos idealistas bajo el nombre de TEAM X, cuyo propósito fue dar una respuesta alternativa a ciertos planteos arquitectónicos y urbanísticos tratados durante los CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) de posguerra.

Sus planteos implicaron una contundente crítica hacia la arquitectura del movimiento moderno y sus categorizaciones sobre la ciudad, contemplando una mirada comprensiva de los problemas urbanísticos a través de un enfoque socio-cultural.

Esta nueva concepción de la arquitectura encuentra sus raíces en otras corrientes disciplinarias de la época tales como la filosofía existencialista y la antropología estructuralista.

El existencialismo postula que son los seres humanos, en forma individual, los que crean el significado y la esencia de sus vidas. Destaca el hecho de la libertad y la temporalidad del hombre, de su existencia en el mundo más que de su supuesta esencia profunda. Tienden a escudriñar en lo profundo de la condición humana. Los pensadores fundamentales de esta corriente fueron Heidegger, Jaspers y Sartre.

El estructuralismo cuestiona el concepto iluminista de la existencia de una cultura superior, proponiendo el concepto de cultura como respuesta especifica a un medio y como elaboración histórica particular de un pueblo. Los Principales representantes del estructuralismo antropológico son Levi-Strauss, Needham, Douglas, Turner, Dumont.

De aquí el TEAM X deduce la imposibilidad de desarrollar una estandarización generalizada de la arquitectura, proponiendo soluciones particulares para cada casa con cierto grado de flexibilidad.

El marco teórico de este grupo tuvo una profunda influencia en el desarrollo de los pensamientos arquitectónicos en la segunda mitad del siglo XX.

Referencia: http://guiasempio.com.ar

Silla Barcelona
 Creada por Ludwig Mies van der Rohe para su German Pavilion en 1929, en la Exhibición Internacional en Barcelona, la pura composición de la colección rápidamente optimizó la Arquitectura Moderna.
Desde el marco pulido a mano a los cuadrados de cuero individuales cuidadosamente ribeteados entre sí con un sólo cuero de vaca, cada pieza Barcelona es un tributo al artesano tradicional y a la meticulosa atención a los detalles de Mies. La colección incluye la chaise lounge, la banqueta y el diván.
Marco: base de acero cromado terminación cromado pulido espejo a mano. Su construcción en una sola pieza asegura su durabilidad.
Tapizado: paneles individuales cortados, ribeteados a mano, con cuero y botones producidos de un solo cuero de vaca.
Premios obtenidos: Museum of Modern Art Award, 1977.

Referencia: http://www.interieurforma.com.ar

Silla Diamond Lounge de Harry Bertoia





La Silla Diamond de Harry Bertoia fue diseñada en 1955. Formó parte de sus diseños "Wired", o de alambre. Las sillas de Bertoia se caracterizan sobre todo por haber sido concebidas como una esculta más que como un mueble. La técnica novedosa de una parrilla de alambre que adoptaba formas curvas, fue un avance en el diseño con acero que no se veía desde las sillas de René Herbst. Su nombre, Silla Diamante responde a su forma abierta y al brillo que le proporciona el metal. Es perfecta para un rincon de la casa destinado al relax, ya que no debemos olvidar que es una silla tipo Lounge.

A pesar de ser una obra maestra en lo que a diseño se refiere puede llegar a ser sumamente incomoda. Para contentar a los que buscan diseño y confort se puede adquirir con una funda muy comoda realizada en cuero. Fue calificado como"Diseño del Año" en 1955, y pasó rapidamente a ser producida por Knoll, quien aún la comercializa a un precio que parte desde los 1.000 € aproximadamente.



Silla Diamond Knoll





Aunque es apta para uso exterior, no es recomendable.

Referencia: http://www.disenoyarquitectura.net

                     CIAM


Congreso internacional de arquitectura moderna. Es conocido como congres internacional d´Arqhitecture Moderne o CIAM, el congreso se fundó en el 1928 en el castillo de Sarraz en Suiza y se diluyó en el 1959 por la diferencia de ideas de los miembros. Estaba formado por conferencias y reuniones y por una organización. El CIAM esta asociado con muchos conceptos y edificios de arquitectos desde sus inicios.

Existen 28 arquitectos europeos asociados con el CIAM, organizado por Le Corbusier, Helene de Mandrot y Sigfried Giedion, en el cual, Mandrot es la propietaria del castillo y Gierdion el primer secretario general. Así mismo se pueden citar a Kart Moser, Bourgeois, Pierre Chareau, Josef Frank, Gabriel Guevrekian, Max Ernst Haefeli, Hugo Häring, Arnold Höchel, Huib Hoste, Pierre Jeanneret, André Lurçat, entre otros, que son miembros de este congreso desde el 1928.

Luego se unieron Hendrik Petrus Berlage y Alvar Aalto. La organización fue destinada tanto para establecer los principios arquitectónicos del movimiento moderno como para mejorar el mundo por medio del urbanismo y del diseño de edificios, ya que la CIAM percibió la arquitectura como una herramienta política y económica. En el 1933 se dio a cabo el cuarto congreso en donde se creó una carta que proclamaba que los problemas a los que se enfrentaban las ciudades se podrían resolver mediante la segregación funcional estricta, y la distribución de la población en bloque altos de apartamentos en intervalos extensamente especiados. El comité internacional para la revolución de los problemas de la arquitectura contemporánea (CIRPAC) era el cuerpo ejecutivo del CIAM.

Referencias: http://www.arqhys.com

Alvar Aalto, diseñador y arquitecto escandinavo

Alvar Aalto, diseñador y arquitecto escandinavo

Alvar Aalto, diseñador

Es probablemente uno de los diseñadores nórdicos más influyentes del siglo XX, nacido en Helsinki, siguió al igual que muchos artistas modernos la máxima de que el diseño podía aplicarse a cualquier objeto, un edificio, un vaso o una silla. Muy implicado con la corriente moderna en los años veinte, llega a ser miembro delCongreso Internacional de Arquitectura Moderna, más conocido comoCIAM, donde tomó contacto con hombres tan influyentes como Mercadal o Le Corbusier. Sin embargo su camino fue algo distinto a estos. Siguiendo con el concepto comercial impuesto por la Bahuaus fundó en 1935 junto a su esposa la empresa de mueble Artek, esta fue el canal usado por Aalto para dar rienda suelta a su creatividad, esta empresa que aún hoy existe, exhibe autenticas obras de arte del diseño orgánico del siglo XX, una de las facetas por las que más conocido es Aalto. Estos diseños están realizados en madera su mayoría, dentro de esa compenetración con la naturaleza, la madera era el material idóneo para trabajar. Según Aalto el diseño interior debía estar en consonancia con el estilo de la casa a decorar. Esto le daba una especial habilidad para decorar estancias de una manera clásica pero moderna y funcional a la vez, gracias a un perfecto uso de las formas orgánicas y las figuras geométricas.

Silla Paimio diseñada en 1931

Entre sus obras más destacadas tenemos el vaso y jarrón Savoy, inspirado en la olas. Otros elementos destacados dentro de su colección son sus sillas y mecedoras, especialmente las diseñadas para el Sanatorio de Paimio que destacan por su ligereza y comodidad. También diseña numerosas lámparas basadas la mayoría en un conjunto de piezas concéntricas que aún hoy conservan toda su esencia moderna y contemporánea.

Lentävä lautanen

Lámpara Jyväskylä Workers’ Club
Vaso y Jarrón Savoy

Alvar Aalto, arquitecto

Sin embargo Aalto no sólo fue un gran diseñador industrial, sino también uno de los arquitectos del movimiento moderno que más experimento con las formas y los materiales. Las primeras obras de Aalto revelan la influencia del neoclasicismo y del sueco Erik Gunnar Asplund. Una de sus primeras obras fue el bloque de pisos Turku construido entre 1927 y 1929 a partir de elementos de hormigón prefabricado, un experimento al nivel sólo de Mies Van der Rohe y Gropius en Sttutgart.

Bloque de Pisos en Turku (1927-1929)

Su paso por el CIAM condicionó su arquitectura, a pesar de que lo construyó un año antes del congreso, su edificio para el periodico Turun Sanomat ya se basaba en los cincos principios de la arquitectura moderna de Le Corbusier. Pero si una obra de Aalto influyó en el devenir de la arquitectura moderna fue el Sanatorio de Paimio, donde también diseño el mobiliario, hoy por hoy tanto el edificio como los muebles que diseñó para el son considerados clásicos. La magnífica distribución interior en alas largas y bajas y las magnificas condiciones de luz y ventilación que tenía el edificio lo convirtieron en un paradigma de este tipo de construcción.

Turun Sanomat (1927-1928)


Sanatorio de Paimio (1929-1933)

En 1931 Alvar Aalto se traslado a Helsinki donde residiría hasta su muerte. Durante los primeros años se dedicaría principalmente al diseño de mobiliario, destacando en lo que a arquitectura se refiere su Casa Particular construida en 1934, esta casa muestra el estrecho vinculo que le unía a la arquitectura rural. Pero la casa que realmente le llevó a pertenecer a ese "movimiento moderno romántico" fue Villa Mairea. En esta villa las habitaciones se concibieron en función de la luz natural, el calor y el sonido. Para 1938 la casa era una novedad, atemporal, un autentico ejercicio de funcionalidad que sorprendió al mundo de la arquitectura y aún hoy lo sigue haciendo.

Villa Mairea

En 1952 volvería a sorprender al mundo con su Casa Experimental, una casa de vacaciones donde aplico 50 paneles de ladrillo todos diferentes. En estos últimos años de su vida dejó el funcionalismo para dedicarse a una concepción más estetica y expresiva de la arquitectura.

Paneles de Ladrillo en la Casa Experimental

Referencias: http://www.disenoyarquitectura.net

Buckminster Fuller  Inventor, diseñador, poeta, futurista, nació en Milton, Massachusetts. (Sobrino-nieto de Margaret Fuller).Dejando de Harvard a principios, que en gran medida educado a sí mismo mientras trabajaba en empleos industriales y de servir en la Marina de los EE.UU. durante la Primera Guerra Mundial una de las mentes más originales del siglo, que libre reventado sus talentos, la solución de problemas de la vivienda humana, nutrición, transporte, medio ambiente la contaminación y la disminución de los recursos mundiales, el desarrollo de más de 2.000 patentes en el proceso. Él desarrolló el Dymaxion ("eficiencia dinámica y máximo ') Casa en 1927, y el Dymaxion aerodinámico coche, omnidireccional en 1932. Fuller escribió unos 25 libros, especialmente de nueve cadenas a la Luna (1938), ¿utopía o el olvido (1969), Manual de operación para la Nave Espacial Tierra (1969), y el camino crítico (1981). Un educador entusiasta, que ocupó una cátedra en la Southern Illinois University (1959 - 75), y en 1962 se convirtió en profesor de poesía en la Universidad de Harvard. En sus décadas más tarde fue profesor pública popular, la promoción de una estrategia global de tratar de hacer más con menos gracias a la tecnología. Sus invenciones incluyen la Casa Dymaxion 1927, el Dymaxion Car de 1933 y, sobre todo, la cúpula geodésica 1947. Él tiene la distinción de tener dos nombres de sus empleados para una entidad científica, el "fullereno" (también conocido como "bucky-bola"), una forma de carbono cuya molécula se parece a su cúpula geodésica.

Referencias: http://www.buckminsterfuller.com/

Kenzo Tange, Pionero del Modernismo        .                                   Nipón

El manejo del concreto aparente y la simplicidad estética distinguieron el trabajo de este arquitecto.   Su obra, que conjuga el estilo tradicional con el diseño modernista, enriqueció la imagen urbana de Japón después de la Segunda Guerra Mundial y redefinió las formas compositivas del siglo XX. Quizás por ello, el arquitecto Kenzo Tange se convirtió en un referente internacional de la estética nipona. Creador de propuestas como el Conjunto Monumental por la Paz en Hiroshima, el Edificio Municipal de Kagawa, y el Gimnasio Olímpico en Tokio, Tange obtuvo en 1987 el Premio Pritzker, máximo galardón de la arquitectura. “Tange vivió en la época del modernismo. A pesar de la globalización, su arquitectura siempre tiene relación con la cultura japonesa. Y es que la fachada de sus obras rememora templos y santuarios orientales. “Sus proyectos más destacados se construyeron durante los años 50 y 60 y se caracterizaron por el uso dinámico del concreto armado. Su arquitectura tiene una identidad única que fusiona la tecnología modernista con la evocación regionalista”, explicó el arquitecto Satoshi Kawakami, quien admira y ha estudiado la obra de Kenzo Tange. En 1946, entró a la Universidad de Tokio, su alma mater, a dar clases. Ahí instruyó a estudiantes que cobraron importancia en el gremio. Sobresalen Arata Isozaki, Kisyo Kurokawa, Fumihiko Maki, y Yoshio Taniguchi. Kenzo Tange admiró profundamente el trabajo del arquitecto franco suizo Le Corbusier, de quien aprendió las formas de planificación urbana para ciudades y barrios, el manejo de azoteas en los edificios, así como el empleo del hormigón armado.   DESARROLLO PROFESIONAL Una de las principales aportaciones, consisitió en dirigir la reconstrucción de la ciudad de Hiroshima donde diseñó el Parque y el Centro de la Paz con una retícula de ventanales. También en su país diseñó la Catedral de Santa María de Tokio con un campanario de 60 metros de altura. Sus proyectos consideraban el contexto donde estaban ubicados y su impacto urbano. Así, sus ideas pudieron apreciar en el Plan de Expansión de Tokio, en el cual dirigió el crecimiento de la ciudad hacia la bahía, planteando la instalación de puentes, islas artificiales y estacionamientos flotantes. La obra de Tange trascendió fronteras, pues diseñó el recinto para la feria de Bolonia y la ampliación urbanística para la ciudad de Sicilia, en Italia. En México su legado arquitectónico puede apreciarse en la Embajada de Japón, en la cual destaca su fachada rectilínea de concreto aparente. Este edificio, que realizó en conjunto con los arquitectos Pedro Ramírez Vázquez y Rosen Morrison, muestra la dignificación del mundo oriental en el cosmos occidental. “Es uno de los arquitectos más importantes del mundo de la segunda mitad del siglo XX. Fue el primer arquitecto japonés mundialmente reconocido” finalizó Kawakami. SELLO DISTINTIVO La obra de Kenzo Tange se distinguió por los siguientes elementos: El uso de los ejes axiales que rompen con la simetría de los objetos. Sus diseños, sencillos y racionales, se caracterizan por su simplicidad, claridad y brintallez. El manejo del concreto como elemento formal y estructural. La instalación de cubiertas suspendidas. La exploración de la tecnología sin dejar de lado los valores humanos.  ASÍ LO DIJO “Me siento muy afortunado de haber atestiguado la transformación de Japón desde la devastación de la guerra hasta su crecimiento actual. Como arquitecto, no deseo repetir lo que ya he hecho. Creo que cada proyecto es un puente para el próximo, por lo que es muy importante rescatar el pasado para cambiar el futuro”. (Kenzo Tange, 1913- 2005) Fuji Television Headquarters  Grand Prince Hotel Akasaka  Hyogo Prefectural Museum of History  Memorial Hall for Students who Perished in the War  Shinjuku Park Tower  St. Mary's Cathedral, Tokyo  Tokyo Metropolitan Government Building  WHO Kobe Centre For Health Development  Yoyogi National Gymnasium  Yamanashi Culture Chamber  Fuente: Entre Muros Por: Karina González Marzo 2010 http://www.nocturnar.com

Lina Bo Bardi


Arquitecto Brasileña nacida en Roma Aunque Vivio en Sao Paulo (Brasil) HASTA desaparición su. En 1948, Con El arquitecto Gian Carlo Pallatini, abrió Paulista en la capital de El Estudio de Arte Palma Presentando Proyectos moderna Con Diseños atrevidos. El Desarrollo arte de construir los muebles que podian doblados apilados Y utilizando comprimido madera. Las Sillas y mesas tenian las Piernas y divergentes en la base de los rincones. En El Salvador Creo Museo de Arte Popular de Bahía y en El Proyecto 1968 Museo de Arte de San Paulo (MASP). Institución Desarrollo en la ESA UNA ACTIVIDAD cultural intensa incluyeron cursos de Exposiciones didácticas e Historia del Arte.




MASP







Referencias: http://epdlp.com/arquitecto.php?id=17

Margarete Schütte-Lihotzky, la precursora de la cocina moderna



Margarete Schütte-Lihotzky (1897-2000) fue una arquitecto vienesa, la primera estudiante femenina en la Kunstgewerbeschule (Universidad de Artes Aplicadas de Viena), donde fue alumna de reconocidos artistas como Josef Hoffmann u Oskar Kokoschka gracias a la carta de recomendación de Gustav Klimt, quién ya vio todo el potencial de la joven. El entrar en la universidad fue un gran avance no sólo para ella, sino para la sociedad europea de la época. En 1997, al celebrar los 100 años de edad, Schütte-Lihotzky dijo: “En 1916 nadie hubiera concebido la idea de que una mujer fuera la encargada de construir una casa. Ni siquiera yo misma”.

Sin embargo, Margarete empezó a ganar premios de diseño y Oskar Strand, jefe del estudio de arquitectura Strand, la contrató. Ahí empezó una colaboración increiblemente productiva basada en el concepto que la arquitecto seguiría toda su vida: el concepto deSozialer Wohnbau, que vendría a ser el diseño de una vivienda social asequible y cómoda para las clases trabajadoras. Lihotzky entiendía la conexión de la funcionalidad con el diseño y esa fue la nueva tendencia que tendría una gran demanda en el futuro.


Referencias: http://www.vienayyo.com